O REI LEÃO

Dezesseis anos separaram a primeira desta que se deu ontem. Ao longo destes dezesseis anos muitas coisas aconteceram inclusive outras trinta e uma vezes este mesmo momento, esta mesma situação. Ontem completei trinta e três vezes, e precisei de todas estas para realizar aquilo que pode sim ser chamado de um “pequeno sonho”. Ainda me lembro do longínquo ano de 1995 e da primeira vez que tive em minhas mãos, ainda pequenas por pertencerem a um pequeno e magro garoto de nove anos, uma hoje velha fita VHS de cor verde com um brilhante adesivo em uma das partes que dizia “Ao terminar o filme, favor rebobinar a fita”, com ameaça de multa caso tal ato não fosse realizado pelo sujeito alugador. Aguardava tal momento com muita ansiedade, pois o filme em questão já estava consagrado por sua grandiosa passagem pelas salas de grande tela.

O fato de ser ainda um garoto, e principalmente de residir na “grande megalópole” de Taiaçu, interior de São Paulo, município que não inclui em suas raras opções de lazer, uma sala de cinema, impediram este ser que vos declama agora de acompanhar as aventuras de Simba e sua turma no cinema, fato que já naquele momento me deixou chateado. Contudo, devido à minha jovialidade, não havia ainda percebido o quanto aquilo significava para mim, fato que com as várias investidas do VHS ou DVD em posteridade fui percebendo e clareando-o em minha mente, até que cheguei à devida conclusão. Não ter tido a oportunidade de acompanhar o clássico O Rei Leão no cinema era uma das grandes frustrações de minha vida cinematográfica ou até mesmo comum.

Nunca deixe de declarar minha admiração por tal obra, fato, que ainda hoje sempre a postulo como um de meus filmes favoritos, adentrando de forma simples e rápida às minhas listas de “10 filmes favoritos”; todavia, jamais imaginei que teria outra chance; jamais imaginei que teria a chance de superar uma frustração fixada em mim por minha, na época jovialidade e má localização geográfica, mas eis que eu vi a luz, ou melhor, eu vi a oportunidade.

Graças ao advento da tecnologia 3D que eu tanto critiquei (e ainda critico), tive a oportunidade de acompanhar o relançamento de O Rei Leão no cinema; isto mesmo; de um dia para o outro, este “pequeno sonho” se transformou em uma grande realidade. Dirigi-me até o cinema com um sorriso no rosto, algo que me acompanhou o dia todo antes da sessão, e que se mostrava sempre acompanhado de uma grande ansiedade. Ao meu lado, minha aspirante a esposa e atual namorada, acompanhante certeira e precisa em minhas cinematográficas, e que estava muito mais feliz por participar da realização de um sonho pessoal de seu namorado do que pelo próprio filme em si. Imaginei que demoraria um pouco para me emocionar, mas estava enganado; pois com apenas cinco minutos de filme e soar alto dos acordes de Circle Of Life em versão dublada, desabei e me entreguei às nostalgias de uma época ultrapassada e ao mesmo tempo infinitamente presente em mim.

O 3D nada mais foi que um detalhe, e não interferiu em nada na superação de uma frustração. Tudo estava ali, grande, forte, alto, como eu sempre quis e imaginei. A cada passo do pequeno Simba, a cada soar da voz poderosa de Mufasa, a cada ironia do malévolo Scar, a cada gargalhada espantosa do trio de hienas formado por Shenzi, Ed e Banzai, a cada resmungo do calau Zazu, a cada brilho dos olhos azulados da leoa Nala e dos olhos amarelados da matrona Sarabi, a cada ensinamento do babuíno ancião Rafiki e a cada peripécia da famosa dupla formada por um suricate e um javali e que atendem pelos nomes de Timão e Pumba respectivamente, a emoção retumbava e se fazia estourar dentro de uma criança que ainda sobrevive em um corpo de vinte e cinco anos de idade, algo que, aliás, eu nunca fiz questão de esconder.

Poucos filmes produzem isso, poucas coisas te elevam a sensações que ultrapassam fronteiras temporais e espaciais e conectam intervalos que até poucos momentos pareciam simplesmente incongruentes e impossibilitados de qualquer convivência; à baila disso, surge um elo, uma conexão, que age como um movimento de destreza, indo e voltando de acordo com seu bel-prazer pelo minúsculo espaço mimético de nossa mente. O Rei Leão sempre foi muito mais que um filme, sempre foi um marco, e ajudou a moldar o ser humano que hoje julgo ser, e devido a isso, não poderia deixar passar mais uma oportunidade de homenagear e agradecer tudo o que esta obra fez e ainda faz por mim, pois tenho absoluta certeza, com o perdão da possível redundância, que terei ainda meu momento trinta e quatro, trinta e cinco e assim por diante. Sendo assim, por tudo aquilo que me ensinastes, por todos os grandiosos momentos que passei contigo, por todas as visões e emoções maravilhosas que me provocastes, e principalmente; por dezesseis anos de presença, onde sempre pude contar contigo, sempre que quis, ofereço meus singelos agradecimentos a você O Rei Leão, e que se siga assim o eterno ciclo da vida. Muito Obrigado.

(The Lion King de Roger Allers e Rob Minkoff, EUA - 1994)

NOTA: 10,0

VOCÊ VAI CONHECER O HOMEM DOS SEUS SONHOS

Woody Allen em alguns momentos me lembra uma banda ou um pintor, ou artistas em geral (afinal ele também se encaixa nisso) que inventa ou reinventa algo dentro de sua arte de uma forma tão promissora e tão forte, que ele começa a se repetir naquilo sem parar. O que estes artistas esquecem, é que a renovação é algo que deve ser constante, ou pelo acontecer de vez em quando, principalmente no caso de Allen que tem mais de 40 anos de carreira. Contudo, o diretor/ator/escritor parece que se esqueceu desta parte e ultimamente vem batendo na mesma tecla sem parar, fazendo com que seus filmes se tornem mais chatos do que normalmente já eram em sua boa fase.

Nunca fui um grande fã do diretor, mas reconheço seus méritos em filmes como Noivo Neurótico, Noiva Nervosa; Celebridades; Rosa Púrpura do Cairo e alguns outros. Todavia, já faz um bom tempo que não vemos Allen nos brindar com um grande filme (eu não vi ainda o novo Meia-Noite em Paris que foi adorado por crítica e público), e seus filmes parecem uma repetição um do outro, ou no máximo uma sequência. Eu até gostei de O Sonho de Cassandra, mas não é o suficiente, se tratando de um diretor que durante muito tempo foi o melhor em seu gênero.

Você Vai Conhecer O Homem Dos Seus Sonhos é um desfile de chatice. O filme começa mal, caminha tropeçando e tem um desfecho que na verdade não fecha nada, e não é um final aberto, é um final mal feito. Personagens chatos, diálogos imprecisos e que muitas vezes não se cruzam, um visual exagero, em outras palavras, Allen errou feio aqui. Eu já não havia gostado muito de Vicky Cristina Barcelona, mas isso aqui é um passo enorme em recuo.

Aqueles diálogos perspicazes do outrora Allen transformaram-se em frivolidades piegas e que não funcionam. As situações são clichês e o diretor se utiliza de uma trilha sonora baseada em toque de jazz dos anos 50 que me lembraram os desenhos animados da Hanna-Barbera de mesma época.

Para não ficar tudo pelo caminho, a única personagem/atuação interessante e que tenta salvar um pouco o filme é a da veterana Gemma Jones no papel de uma mulher que acabou de perder o marido e que encontra nos conselhos de uma vidente picareta forças para tocar sua vida. Watts e Brolin não possuem química para o casal que interpretam. Hopkins não possui fibra de “senhor não aceito envelhecer”, o personagem de Banderas é inútil e Freida Pinto demonstra que estava no lugar certo na hora certa em Quem quer ser um milionário?, pois cada vez mais percebemos suas limitações interpretativas.

Como o diretor tem muitos fãs, alguns deles tentaram inverter o problema e tentar “tirar leite de pedra”, porém, a má fase de Allen continua, e dos filmes que eu vi do diretor, este aqui é um dos piores, isto se não for o pior. Muito fraco para um diretor comum, agora por se tratar de um diretor como Allen a palavra certa é, no mínimo decepção. Você Vai Conhecer O Homem Dos Seus Sonhos é um filme tão preguiçoso que, por mais que ainda possam haver coisas a dizer, tal característica por ser contagiosa me obriga a encerrar por aqui.

(You Will Meet A Tall Dark Stranger de Woody Allen, EUA - 2010)

NOTA: 3,5

ESPOSA DE MENTIRINHA

A nova tentativa de Adam Sandler de voltar a ser engraçado, aliada à nova tentativa de Jennifer Aniston de fazer algo diferente é a prova crua e viva de como um filme pode se perder e cair em um marasmo e em uma chatice fora do comum. Não que Esposa de Mentirinha possua grandes momentos, longe disso, contudo nada justifica uma queda de ritmo tão grande e um desenrolar tão patético e fácil que culminará na conclusão de mais uma comédia romântica sem sal e muito menos açúcar como tantas outras lançadas nos últimos tempos.

A fita de ampara na relação entre um cirurgião plástico (Sandler) que começa a namorar uma moça mais jovem e que por um acidente, ou melhor, pela descoberta de um ritual do personagem de Sandler que anda sempre com uma aliança e simula ser casado, pois segundo ele “ajuda com as mulheres”. O cirurgião então diz à jovem nova namorada que está se divorciando, e o problema acontece quando esta deseja conhecer a ex-mulher do personagem de Sandler, tal que este então pede ajuda a sua assistente (Aniston) para se tornar sua “fake wife”. Agora responda com sinceridade, você tem alguma dúvida ainda do que acontecerá no final do filme? Lógico que não. O pior é que a fita nem tenta ser diferente, se firmando nas bases mais que cansativas e chatas que povoam as locadoras e cinemas no gênero de Julia Roberts e Hugh Grant.

Contudo, deve se frisar que no início o filme até que caminha, de forma mediana, sem muitas emoções, porém também sem chatear o espectador, mas a coisa muda quando o cenário muda. Quando a trama se muda para o Havaí (devido a uma artimanha dos filhos de Aniston, que é mãe solteira, e Sandler também vira um falso pai) a fita desanda, e se torna refém de uma previsibilidade fora do comum, de inserções de situações bizarras e de um andamento que beira o insuportável. A cena em que o irmão do personagem de Sandler (que já é chato por si só), tenta salvar uma ovelha de um engasgamento é ridícula, em uma clara imitação barata da clássica cena da vaca de Eu, eu mesmo e Irene, isso sem contar o duelo de hula entre as personagens de Aniston e Nicole Kidman (que interpreta [se é que aquilo pode ser chamado de interpretação] uma antiga amiga/rival de escola de Aniston) que não ajuda em nada o andamento e é muito mal filmada.

Extensa demais, e em sua grande maioria chata demais, Esposa de Mentirinha é uma daquelas fitas que decepciona até mesmo para um domingo da tarde relaxante após o almoço, onde sua abertura a filmes ruins está mais presente. Às vezes eu me pergunto, por exemplo, se Aniston não se cansa de fazer sempre a mesma personagem, ao mesmo tempo em que me pergunto se Sandler não consegue enxergar que é um comediante em decadência, e que para fazer algo bom novamente, é preciso renovar seu estilo.

Outra coisa que já se esgotou foi a parceria de Adam Sandler com o outrora promissor Dennis Dugan. O diretor que já nos presenteou com O Pestinha e até se saiu bem no interessante O Paizão (ao lado de Sandler), não possui mais aquela paixão, aquela gana de fazer o espectador rir. Tudo é muito morno e muito mecânico, falta espontaneidade a Dugan, e isso é um claro reflexo de um diretor que faz sempre o mesmo filme, gerando o efeito Charles Chaplin em Tempos Modernos, ou seja, mesmo quando não se quer o negócio já é tão de praxe, que a forma é sempre a mesma. Se parcerias entre grandes atores e diretores se desgastam, imaginem só o que não acontece quando falamos de profissionais no máximo medianos e que tiveram alguns bons momentos.

Esposa de Mentirinha só prova que o gênero da comédia precisa se reinventar, que Sandler precisa se reinventar, que Aniston precisa se reinventar, que Dugan precisa se reinventar e que Kidman precisa voltar a atuar, uma vez que, a cada novo filme deste tipo e de tais características, o insuportável bate à porta desse mais do mesmo sem emoção e sem qualquer tipo de inventividade.

(Just Go With It de Dennis Dugan, EUA - 2011)

NOTA: 3,0

QUERO MATAR MEU CHEFE

Quando Se Beber, Não Case fez um estrondoso e surpreendente sucesso há alguns anos atrás, era de se esperar que seu estilo e seu andamento quanto ao gênero de comédia, gerassem novas obras. A verdade, é que isso não aconteceu muito, provavelmente verificado através da dificuldade que se fazer um bom filme nesta mescla comediada que abusa de um humor às vezes explícito, cheio de contra-piadas e de vários elementos de humor negro, associando situações absurdas com situações comuns do cotidiano. Quero Matar Meu Chefe, segue a linha da obra acima citada, contudo, se analisarmos a mesma na frieza do conceito, verificaremos que a sucessora, supera sua antecessora quando a base de comparação é o escopo geral, mesmo que, quando o assunto é desenvolvido e as partes tomadas cada qual a si mesma, a superação, dependendo do gosto do freguês, deixe de existir.

Acredito que o problema central de Quero Matar Meu Chefe é mais acessível, pois é de certo modo mais universal. Explico: enquanto Se Beber, Não Case partia de uma despedida de solteiro, que é um costume basicamente estadunidense, e que não grada muita gente, pelo seu caráter, digamos exótico; Quero Matar Meu Chefe possui em seu cerne uma situação mais realista; afinal é muito difícil se encontrar no mundo alguém que nunca tenha tido problemas com algum chefe que passou pela vida de indivíduo; ou seja, a relação filme-espectador é mais próxima.

Todavia, isto de nada adiantaria, se as piadas do filme de Seth Gordon não funcionassem, o que, felizmente não é o caso. Quero Matar Meu Chefe não é aquele filme que veio para dar um fôlego de originalidade a um gênero cada vez mais clichê, mas com certeza, dentro destes clichês, é uma das obras atuais que melhor os utiliza, em outras palavras, Quero Matar Meu Chefe não é um filme genial, contudo é bem acima da média, quando o parâmetro comparativo são as outras comédias que aparecem em nossa tela.

O longa acompanha a odisséia de três amigos de infância que possuem chefes simplesmente horríveis, e que assim, armam um plano onde intercalam os assassinatos dos chefes entre eles, ou seja, o personagem A mata o chefe do personagem B, este por sua vez o chefe do C e assim vai, em uma relação claramente e assumidamente inspirada no clássico Pacto Sinistro de Alfred Hitchcock.

As situações e movimentos seguem um adágio comum nas comédias, contudo, o filme acerta por não vulgarizar a coisa e nem voltar atrás em suas decisões de ser politicamente incorreto, para melhor compreensão, um dos grandes méritos de Gordon é não apelar para um moralismo chulo em suas soluções, única e exclusivamente para agradar um público mais “puritano” por assim dizer. Algo que me agradou muito é o fato de o próprio filme, zombar de si mesmo, inserindo muitas “rinchas” entre os personagens, que culminam em discussões e debates sobre as próprias piadas. Talvez Se Beber, Não Case agrade mais uma geração fortemente influenciada por tendências mais libertinas, contudo, em minha singela opinião, Quero Matar Meu Chefe é de um bom gosto mais apurado, o que faz com este segundo, se torne um filme mais acessível quando o assunto é um público mais geral, ao invés de especificado.

Outro ponto forte em Quero Matar Meu Chefe é o elenco. Kevin Spacey está excelente na pele de um chefe pra lá de psicopata, mostrando mais uma vez uma versatilidade estrondosa e o porquê é, de longe, um dos melhores atores da atualidade. Entre os amigos, as interpretações de Jason Bateman e Charlie Day são impagáveis, principalmente o segundo, que encarna um difícil personagem, misturando excentricidade com certa inocência, formando uma miscelânea que funciona de forma perfeita.

Ainda acho interessante outro aspecto do filme, do qual ouvi poucos comentários. É importante ressaltar, em minha opinião, o fato de que, eles preferem matar seus chefes a simplesmente solicitarem demissão e partirem em busca um emprego mais agradável, ainda mais quando encontram um ex-amigo de colegial, com curso superior e tudo, procurando emprego a mais de dois anos e tendo que se prostituir para ganhar um dinheiro. Pode até ter sido de forma indireta, mas reflete um pouco o sentimento de medo dos estadunidenses com o desemprego que impera no país após a recessão econômica de 2008 e a conseqüente crise pela qual o país passa até hoje. Se antes o desemprego nos EUA era apenas motivo para piada contra os países subdesenvolvidos, hoje ele é uma realidade, e uma realidade que assombra fato que, direta ou indiretamente, acabou criando certa influência nesta obra.

Momentos mais críticos à parte, Quero Matar Meu Chefe se mostra uma boa comédia em quase toda a sua extensão. Divertido, absurdo na medida certa e correto quando precisa ser, a película de Gordon mostrou que; se ainda não se encontrou os caminhos da originalidade para salvar o gênero da comédia da mesmice, é possível agradar e divertir os espectadores com o mais do mesmo, desde que este se apresente de forma agradável e que encontre a dosagem precisa entre o certo e o errado, entre o politicamente incorreto e a apelação, entre uma boa piada e a vulgaridade, entre o humor de qualidade que já agradou milhões de pessoas ao longo de toda a história do cinema e este humor babaca e estúpido que andam fazendo nos últimos tempos e que alguns seres ainda possuem a capacidade de nomear como comédia. Existe luz no fim do túnel, e não é um trem em alta velocidade.

(Horrible Bosses de Seth Gordon, EUA - 2011)

NOTA: 7,5

A ESCOLHA DE SOFIA

A obra do político e pesado diretor estadunidense Alan J. Pakula é um daqueles casos que podemos chamar de “quase clássicos”, ou seja, aqueles filmes que para muitos é espetacular, enquanto que para outros é apenas uma obra como qualquer outro, e quando digo isso, me refiro a críticos e especialistas, em outras palavras, não existe um consenso, ou uma posição forte quanto à representatividade de A Escolha de Sofia para a história do cinema. A verdade é que muitos se lembram do filme por dois motivos em particular: a atuação brilhante, e talvez a melhor da carreira de Meryl Streep e a clássica cena pré-final, onde a personagem de Streep passa por um dilema terrível, principalmente levando-se em conta a posição de mãe.

Eu admito que estes dois motivos são realmente bons motivos, mas me sinto mais inclinado a compartilhar da posição daqueles que julgam a obra de Pakula como “outra obra qualquer”, uma boa obra em vários momentos, porém sem todo esse aspecto “brilhante e inesquecível” aos quais muitos a credenciam. Na frieza da análise, A Escolha de Sofia é um filme duro, distante, cheio de situações desnecessárias e que se utiliza da 

apelação com o espectador para não explicar muito bem as coisas e seguir adiante.

O filme é morno, como quase todas as obras de Pakula, porém com um agravante: o terreno aqui é outro. Pakula é um diretor conhecido por filmes com temáticas mais políticas (basta ver sua obra-prima Todos os Homens do Presidente, este sim um ótimo filme), temática esta que permite se levar um filme no meio-termo, pois se trata de um tema que suporta isso, contudo dramas como este aqui não permitem isso. Dramas familiares e amorosos como este, quando não sabem cadenciar o ritmo, esquentar o espectador de vez em quando ou até mesmo dar um empurrão de vez em quando, se transforma em algo muito chato e repetitivo, algo que acontece nesta obra.

Muitos acreditam que o ápice do filme é a cena citada no primeiro parágrafo, mas não é. A clássica cena (que eu não vou contar para não estragar quem tem interesse em ver o filme) é apenas o ápice dramático do filme, não o argumentativo. A verdadeira escolha da personagem de Streep é pela vida que leva, pelo marido (interpretado de modo estabanado por Kevin Kline) e principalmente, uma escolha para viver uma gratidão, uma escolha que a leve para uma vida longe das lembranças e das tragédias do holocausto, fato vivido pela personagem mesmo esta não sendo judia.

O grande problema é que o roteiro não se explica em alguns momentos. Qual a função do contexto que envolve o pai da personagem? O marido de Sofia possui problemas de saúde, no caso, mentais, mas aparenta distúrbios de pensamento de uma pessoa excêntrica, mas não debilitada mentalmente. Por que abandonar tão bruscamente a carreira literária de Stingo, mantendo-a apenas na periferia e ainda colocando-a como elemento da trama do triângulo amoroso. Como se não bastasse; todos estes problemas acontecem em um ritmo lento, e acontecem agregados a uma mão pesada de um diretor acostumado com filmes de outra estirpe. Em alguns momentos falta leveza a Pakula, falta ritmo de drama familiar, podemos até dizer que falta um pouco de sensibilidade com um espectador que na maioria das vezes não será o de seus outros filmes.

A Escolha de Sofia é um filme que fez sua fama e a mantém até hoje, parasitada em uma cena de fato belíssima e em uma atuação brilhante (o sotaque que Streep impõe à personagem Sofia é de uma naturalidade e de uma riqueza poucas vezes vista na história do cinema) de uma grande atriz, e nada mais. No final das contas, não passa de um filme comum e que possui vários defeitos, livrando-se do medianismo e do corriqueiro por esparsos momentos; o que é muito pouco para um filme se tornar o que alguns por aí dizem que este é.

(Sophie´s Choice de Alan J. Pakula, EUA - 1982)

NOTA: 6,0

NAMORADOS PARA SEMPRE

A primeira coisa que se deve fazer ao tomar a decisão de acompanhar este drama é ignorar o ridículo título em português que lhe foi designado, já que, por mais que eu entenda a dificuldade em se traduzir o título original do filme (Blue Valentine), os distribuidores brasileiros poderiam ter optado por um título que fizesse jus ao filme de forma mais precisa. Contudo, este talvez seja o único problema de Namorados Para Sempre, ou seja, algo do qual o filme em si não possui culpa nenhuma.

Confesso que me dirigi ao cinema com grandes expectativas, e é com grande alegria que anuncio que todas elas foram ratificadas, isso se não foram até superadas, pois Namorados Para Sempre é de longe um sério candidato a ocupar lugar no ranking dos melhores filmes do ano. Poucas vezes eu vi um filme que conseguisse com tanta força flutuar entre o amor em seu ápice e em tudo aquilo que ele pode causar ao homem em seu bom sentido, e ao mesmo tempo intercalar tudo aquilo que o amor pode causar de ruim ao homem, ou seja, é o amor em suas duas facetas, é o amor destrinchado de forma crua e em alguns momentos até brutal.

Ao acompanhar a ascensão e queda de um casal ao longo de seus vários anos de união o diretor Derek Cianfrance nos proporciona um relato duro e triste sobre um amor que simplesmente se acabou sobre duas pessoas que naufragam e que perdem aquilo que por muito tempo foi o pilar de suas vidas. Cianfrance é extremamente ousado e minimalista na direção. Intercala movimentos bruscos de câmera com tomadas mais simples, corre com a câmera na mão, usa e abusa de closes para “enfiar” o espectador dentro de toda aquela situação, algo que em alguns momentos gera até mal-estar no espectador. Em contraste a isso, quando é necessário mostrar o lado bom do amor Cianfrance consegue soltar um pouco a mão e deixar a coisa um pouco mais leve. Algo muito interessante no filme é sua falta de linearidade no sentido comum da palavra. Ciafrance intercala momentos presentes de infelicidade com flash-backs de momentos de felicidade, em uma união de edição, maquiagem e montagem brilhantes, nos mostrando que a real intenção do diretor é: olha só no que isso se tornou, em uma clara intenção de demonstrar que o amor é algo bom, mas que ele também pode ser extremamente destrutivo, em uma relação dual muito difícil de construir, mas que aqui é feita de maneira brilhante.

Além do já descrito acima, existe outro fator de vital importância para o resultado final de Namorados Para Sempre, que é a dupla de protagonistas. Ryan Gosling e Michelle Williams interpretam dois personagens cada um: primeiramente o ser humano apaixonado, jovem e altivo, e em segundo ponto, interpretam o ser humano cansado, desgastado por um relacionamento definhante e sem qualquer perspectiva de reação por mais que não aceitem isso. Chega a impressionar a força dos dois e a química entre eles nas duas situações (apoiados por um trabalho de maquiagem igualmente majestoso). Gosling e Williams se amam e brigam como loucos e passam a clara imagem estereotipada acima nas duas situações exigidas. Gosling sempre foi um excelente ator, enquanto que a normalmente insossa Williams finalmente realiza um trabalho digno das expectativas que muitos depositam nela. Namorados Para Sempre é, e com sobra o melhor trabalho dos dois.

O roteiro merece uma menção especial. Além do já citado caráter de intercalação entre passado e presente muito bem amarrado, o roteiro não apela para extremismos e nem para lições de moral banais e mal fundamentadas. O argumento consegue envolver o espectador em suas duas fases e consegue misturar drama, romance e alguns toques de comédia com muita precisão, o que torna um trabalho bonito, detalhado e muito, mas muito conciso.

Namorados Para Sempre vem para novamente corroborar a força que o cinema independente ainda possui. Longe dos grandes estúdios e distante de orçamentos exorbitantes, Cianfrance criou um grande filme, que vai ao extremo do ser humano e em sua relação com um outro, tanto em seus momentos felizes como em seus momentos de destruição. Novamente, o já citadamente batido tripé roteiro-direção-atuação se faz o centro e o norte de um grande filme, e mostra que a receita básica para os mesmos continua igual: é só juntar atuações inspiradas, com uma direção precisa, técnica e por que não, ousada; um roteiro forte, lógico e lacônico e como coadjuvante (não como protagonista) um aparato técnico e artístico construído para o filme (e não ao contrário) e que vive para ele. Namorados Para Sempre é tudo isso, e ainda consegue mexer com o público e o levar a sentimentos antagônicos durante toda a extensão de sua película; seja em suas partes ou no todo em si da obra, Namorados para Sempre merece as duas palavras a seguir com entonação de interjeição, ou seja: Simplesmente sensacional.

(Blue Valentine de Derek Cianfrance, EUA - 2010)

NOTA: 10,0

HOMENS E DEUSES

Das escolas cinematográficas européias, as que mais chegam a nós pobres mortais da América do Sul são as escolas francesas e italianas e entender isso é até um pouco fácil. Amas as escolas apostam em características mais leves, possuindo filmes mais ativos, alegres e mais aventureiros por assim, o que contrasta com a dureza e o pessimismo das escolas norte-européias e até mesmo o cinema espanhol. O brasileiro não é um povo que possui por peculiaridade apreciar filmes de visuais mais velhos, de andamento vagaroso e que ocupem muito espaço na mente do mesmo, assim sendo, os filmes franceses e italianos sempre foram mais aceitos por aqui por não terem as pretensões acima citadas. Todavia, eis que surge este Homens e Deuses, que por mais que tenha várias características do cinema francês é de uma dureza e de uma exigência quanto ao espectador poucas vezes vista na cinematografia deste país.

Homens e Deus narra a história de um mosteiro trapista na Argélia, onde estes começam a conviver com eminência do fundamentalismo islã que começa a tomar o poder no país na década de 90. O filme é baseado em fatos reais, o que torna sua importância ainda maior, pois serve também como documentação histórica.

O filme venceu o Grande Prêmio do Júri do Festival de Cannes em 2010, o que para mim é algo realmente importante, e é dirigido pelo também francês Xavier Beauvois. Contemplativo e singelo, Beauvois filme de uma maneira muito plástica e clássica e com um andamento bem cadenciado, abrindo os planos das cenas, para depois ir fechando-os gradativamente de acordo com o clímax e a necessidade da situação. Lembrou-me alguns filmes do diretor iraniano Abbas Kiarostami não só pelo andamento, mas também por estas características de filmagem e pela fotografia um pouco suja, para aumentar a sensação de realidade e de aridez de cenários pobres e sofridos, como é o caso da Argélia aqui retratada.

O filme foi muitas vezes acusado de ser excessivamente longo, algo que em alguns momentos se faz real e em outros não. Na verdade, Homens e Deuses não possui problemas de andamento, já que tudo é muito bem encaixado; a única questão é que Beauvois mantém a câmera quase sempre estática, apenas observando e contemplando o movimento dos atores além do fato de que Beauvois corta todas as vezes que precisa alterar de local e em nenhum momento se continua mostrando os atores sem um corte. Em um filme de ação, por exemplo, a câmera corre e acompanha o ator para gerar um dinamismo maior, o que não é o caso aqui, já que o diretor prefere sempre cortar a cena e iniciar de outro ponto a dar seguimento, o que contribui com a sensação de lentidão, mas que na verdade não é um defeito, mas sim uma particularidade do diretor.

Deixando um pouco de lado a parte mais técnica, no quesito narrativo o grande trunfo do filme é conseguir tratar de coisas perigosas e de uma maneira tão interessante. Em nenhum momento Beauvois faz apologia ao cristianismo em detrimento do islã. Apesar de cenas ritualísticas dos monges povoarem o filme, a condenação aqui é ao fundamentalismo, à intolerância e a violência, e não ao islã ou qualquer outro tipo de religiosidade, algo que em mãos erradas poderia gerar um filme apologético e preconceituoso como muitos que temos por aí. Qualquer interpretação que gere uma visão problemática sobre este tema no filme de Beauvois, presunçosamente falando é falha de análise do espectador. As atuações também são soberbas, além de um trabalho de figurino preciso e uma trilha sonora maravilhosa, que repassa ao espectador toda a melancolia e todo o sentimento de simplicidade e contemplação destes homens brutalmente assassinados apenas pelo fato de sentirem parte de um local enquanto outros não comungavam de tal opinião.

Com cenas belíssimas, Homens e Deuses tem cacife para clássico, algo que não acontecerá devido ao seu apelo muito emotivo e sua pouca tendência de populacho, mesmo com a emotividade. Eu gostei e bastante, e já vi filmes muito mais lentos não serem acusados de tal problema, algo que fez com que eu não compreendesse muito bem toda esta perseguição ao filme. Beauvois conseguiu um tempo de formulação muito interessante e conseguiu realizar um filme tocante e de uma preciosidade ímpar, que só não agradará aos olhos daqueles que nãos conseguem enxergar nada que não esteja escancarado em seu nariz, ou seja, não agradará a muitos.Novamente me considero um sortudo por poder prestigiar uma obra com essa.

(Des Hommes Et Des Diex de Xavier Beauvois, França - 2010)

NOTA: 9,0